文 / 張哲彥
2016年七月，第二十四屆國際博物館協會（ICOM）大會於米蘭盛大舉行，探討的核心主題為「博物館與文化景觀」（Museums and Cultural Landscapes）。當中邀請藝術家Christo（1935－）與 Jeanne-Claude（1935－2009）[1]分享他們的創作以及甫完成的新作《漂浮的防波堤》（The Floating Piers, 2016）。筆者認為他們的創作理念與大會主題相當契合，以下針對幾個面向探討其與博物館之間的特殊關係。
跨越博物館的疆界
首先必須了解Christo與Jeanne-Claude的創作模式與博物館體制的關聯性，即使他們的「計畫」（project）大多在戶外呈現，卻是先有「收藏」才得以「展示」。收藏對象中最為知名的有沃格爾夫婦（Herbert and Dorothy Vogel），且他們的收藏現已成為美國華盛頓國家藝廊（National Gallery of Art, Washington D.C.）的典藏，代表從私人到公共收藏的進程。另一方面，德國的渥爾斯美術館（Kunsthalle Würth）亦藏有Christo與Jeanne-Claude於1994年為該館實行包裝計畫的草圖。
由於Christo與Jeanne-Claude堅決不接受任何金錢的援助，因此每項計畫的資金皆來自販售作品草圖與模型的所得。一旦藏家願意購藏他們的作品模型，便可進行初步的計畫，但仍需大量的人力才能完成，且最艱難的任務是與當地政府溝通和協商，尤其當選擇的地點與政治或社會議題相關時，更是難以執行。因此可說Christo與Jeanne-Claude的作品，從博物館或藏家的運作體制跨越到社會文化的各個層面，挑戰且批判藝術品及博物館的既有定義。
博物館裡的藝術品往往具有永恆不變的特性，且可能隸屬某人／機構的收藏。為了維持基本的營運，也需向大眾收取門票費用。與此不同的是，Christo與Jeanne-Claude的大型計畫是開放給大眾的藝術，將作品移到戶外，如同遊牧民族一樣，經過一些時間後便繼續前往下一定點，因此他們的藝術並非永久存在，且沒有任何人能真正地擁有。
從博物館到文化景觀
Christo與Jeanne-Claude曾在美術館及藝廊實行他們的包裝計畫，其中包括1969年包裹芝加哥現代美術館（Museum of Contemporary Art, Chicago）的外部及裡面的樓梯和地板。此舉不僅創造由布構成的另類景緻，徹底改變觀看藝術的方式，布底的風景更成為供觀者想像的開放空間。
隨著他們將包裝藝術擴展到世界的各個角落，也逐漸擴充博物館與藝術的疆界。人們可以不用花錢進博物館，自由自在地走在《漂浮的防波堤》上，感受與生活如此靠近的藝術。眼前的風景是經過人為的創造而得來的文化景觀，使我們重新思考博物館的定位，也讓我們對藝術的狹隘定義有新的看法。博物館不能只關切自身的收藏與展示，更要對其周遭甚至於整個文化景觀負起責任。Christo與Jeanne-Claude的藝術為博物館提供一個絕佳的典範，提醒人們必須留意這些稍縱即逝、變動不居的文化景觀，因此如何在博物館與文化景觀之間建立良好的媒介，將是未來必須努力達成的願景。
最後，筆者想藉由藝術家對藝術品賦予的定義，探討當中帶來的啟發。他們曾說：「我們希望創造藝術品，愉悅與美的作品。就像每件真正的藝術品是絕對沒有目的：它不是一個訊息，不是一個象徵，它僅是一件藝術品。」[2] 回頭檢視Christo與Jeanne-Claude的創作，形式上確實具有審美的作用，且能讓人感到愉悅。但要說完全沒任何目的、訊息或象徵，難免有些牽強，因為他們的作品已在某種程度對博物館與文化景觀發出訊息。當中包括對博物館體制的質疑，打破藝術與生活的界線。且在不同時空背景下，藝術也回應社會文化的發展趨勢，因此筆者認為他們的藝術正帶領我們走向未來的博物館，迎向自由奔放的藝術世界。
[1] 即使Jeanne-Claude已於2009年逝世，至今仍以兩人的名字做為共同創作者。
[2] Castro, J. G. “A Matter of Passion: A Conversation with Christo and Jeanne-Claude [Interview]”, Sculpture (Washington, D.C.) v. 23 no. 3 (April 2004), p. 32.
arthistorystrolls.com 