文 / ALYNEKO
陳芃宇的繪畫，除了選材的細膩，活化象徵意涵，更有趣的是，她破除了具象的背景空間，滲透了一股難以名狀的余白美感，這樣的「章法」在當代日本畫中是很少見的。她說：「我不擅長將很多物件放在畫面上做組合，或是表達一個具象空間。因為我的想法很單純，我追求物件的肌理結構與寫實質感表現，但如果這些物件又置於寫實背景的話，便少了一份想像空間。 因此我的作品往往沒有空間，甚至沒有強烈的遠近透視，可以任人幻想是在什麼時空裡，或是直接聚焦在我畫的主題上。」
她會選擇這樣的空間表現，深受中國繪畫與近代日本繪畫的余白觀念影響，特別是日本裝飾畫派的代表「琳派」，背景往往是金地，銀地，或是留白， 譬如《風神雷神圖屏風》，不需過多雲彩的描寫，利用余白空間巧妙分開兩位主角。又如酒井抱一的《夏秋草屏風圖》，在銀色屏風上以植物來告知季節 。近代的日本畫家當中，小杉放菴是陳芃宇最鍾愛的畫家之一，小杉從油畫創作轉回日本畫的作品，總是輕描淡雅，有時畫面就只有一顆石頭，讓觀者沒有過多的雜念，只專注於畫中的石頭，寄情於其中。
留日初期，她與當代日本畫的創作者、研究室的同儕，同樣著迷於膠彩的礦物質感與箔的金屬感，並追求學習如何控制顏料與膠的比例，才能讓厚重的顏料附著在畫板上。不過，當代「日本畫」的厚塗風潮，不禁讓她思考這樣的日本畫是否越來越趨近「油畫」？之後她重新回歸原點，回到她「水墨畫」的專業背景，讓當代日本畫中僅作為打底的墨線、墨色，晉身為主角，大膽潑灑在日本畫紙上。
「由於日本畫紙比起國畫用紙還要厚許多，因此墨與水交合出的墨色漸層非常的豐富且濕潤。於是，我也對日本畫用紙產生興趣，開始實驗不同紙張、厚度所帶來的效果，逐漸可以掌控暈染的流向，同時也融入厚塗與貼箔技法 」她的第一件實驗作品《遠・緣》（2013），強烈大範圍的墨色暈染，塑造出影物交織，遊走在抽象又具象之間，令人神魂迷離。就像她說：「一開始隨機的潑墨，後來引伸將墨色運用在陰影的表現，配合紙張的留白空間，具象的主題描寫與暈染造成的虛的空間成為了我的繪畫語言。」
寫信邀請陳芃宇受訪時，她正好因為《旅程》（2017）這件作品，獲得雪梁舍美術館主辦的「翡冷翠大獎」，前往義大利佛羅倫斯進行三個月駐村創作，並特別獲准到美術學院(Accademia di Belle Arti di Firenze)BIBN(Adriano Bimbi)教授的研究室聽講。課堂紮實的人體素描訓練，輝煌震撼的教堂濕壁畫，各地不同的風格流轉，讓主修東方繪畫的她，留下了「眼見為憑」的視覺衝擊與深刻印象。
她感嘆地說：「我對義大利藝術的印象除了流派的轉變，透視技法的演進，光影效果以外，最大的感想就是『充滿』。繪畫、建築物、雕塑的每一個角落、每一寸空白都盡量填滿它，繁複的裝飾效果，相較於東方余白的審美觀有很大的不同。」義大利繪畫中人事物空間的精準度，也讓她重檢審視自己作品的留白，試圖構築出畫面整體的一種新的平衡感。
此外，在一位日本策展人的牽線下，她參加了佛羅倫斯當地藝廊舉辦名為“But the sky is getting more BLUE …“的聯展，她以國際共通的語言「Monday Blue」為靈感，運用義大利當地的畫材、濕壁畫魚膠，以及擁有750年歷史的紙張fabriano，將壁畫常見的金、藍色澤，透過日本畫的手法，繪製出美術院課堂習作中的專用畫椅。
共同展出的藝術家，有來自義大利、法國等，陳芃宇是唯一一位亞洲藝術家。開幕茶會時，她作品中留白構圖與渲染效果，深受西方觀眾的注目，這次展出與交流，也讓她更篤定自己描繪東方特色的方向。
「早期的前輩畫家，像是陳進、林玉山都在留日之後，回到台灣尋找屬於自己的繪畫語言。用自己的畫法畫出台灣的味道、台灣的記憶。保留東方趣味、筆墨。這些也是我未來很想追求的。 」她如此期許著，未來幾年，陳芃宇將會繼續留在日本發展她的膠彩，褪除制式化的技法，化為個人的繪畫語言。 至今她的作品多在日本展出，她也計畫今年（2018）或是明年在台灣舉辦個展，預計將六年間的作品寄回台灣完成一個階段性的成果發表，相當令人期待。
在日本新一代的畫壇，已獲得多數肯定的陳芃宇，或許有點近鄉情怯，因膠彩顏料取得的困難，以及技術掌控的要求，在台灣的發展仍受侷限。但她依然抱有期待，也想聽聽家鄉的人對自己作品的看法，如何去理解她的日常，如何去讀取她畫中余白的隱喻，如同我第一眼在陳芃宇作品中，看見她獨特姿態、絲絲入扣的詩情畫意。
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