在地的傾聽與對話：訪談陳家聲工作室

文 / 編輯部

桃園的藝術可以是什麼模樣？探索桃園當代藝術的多重網絡

桃園的藝術可以是什麼模樣？如果我們願意細看桃園這塊土地，會發現有許多深耕在地的藝術家與藝術社群，這些人挖掘地方特質轉化為創作的養分，活絡社區以及串聯在地藝文展演，組成豐富且多元的藝文網絡。

由桃園市立美術館委託，國立中央大學藝術學研究所謝佳娟老師及王聖閎老師執行「桃園當代藝術生態研究計畫」，以「桃園」當代藝術家與相關藝術社群、藝文空間等為核心，梳理桃園當代藝術的地方特質與網絡關係，探訪桃園當代藝術的風貌。

藝術社群陳家聲工作室專訪

「陳家聲工作室」劇團與桃園地區很有淵源，曾在「回桃看藝術節」、「鐵玫瑰藝術節」等桃園地區藝文活動擔任重要的推動及參與角色。他們不斷從教育面著手，積極走入校園，透過各種中小型的作品、講座和工作坊，帶領年輕學子瞭解當代劇場表演的魅力。「陳家聲工作室」的劇作類型多元，同時也有不少作品聚焦桃園在地議題。如《宇宙之聲》以新舊文化的碰撞探討建物拆遷與活化的課題；《藍衫之下》觸及客家女子的身分認同議題，與視覺藝術家合作，以展覽與演出並置的模式呈現給觀眾。劇團同時也加入「桃園藝文陣線」，串連桃園在地藝術工作者、藝文團體、小型店家，積極建立屬於桃園的在地文化景觀。

Q1：能請您分享，以《宇宙之聲》為例，團隊在劇本創作與特定議題的探究之間，是如何取得平衡的？

「回桃看藝術節」其實是一個跟著議題而出現的藝術節，我會希望未來桃園的藝文環境趨於完美，那便不用再舉辦這類型的藝術節了。

我在「回桃看藝術節」擔任表演策展人時，找到大時鐘這樣一個地標，它對於桃園人蠻重要的。大時鐘的正式名稱為「中壢第一公有市場」，是中壢的市場起源，最初販賣各種民生用品。但大概在一九八零、九零年代，這樣子的一個公有市場上面竟然也開設酒店？藝文陣線透過訪調，發現中壢很多歷史痕跡都不見了。再對照當年日治時期的老地圖，大時鐘的原址，也是當年傳統市場的位置。大時鐘可能是現在少數能好好訴說中壢故事的地方。

就一個表演藝術團隊來說，如果可以為這個建築物來量身打造一個劇本的話，應該是我唯一能做的事情，所以我選擇在裡面做創作。可是直接寫市場的話，我覺得沒有意義，要了解市場直接去跟攤商聊天就好了，不需要我多寫一個故事去複誦。所以我就想要把這個故事情節擴大，我聯想到地下賣藥電臺的那種老歌賣藥。整件事就連結了起來，所以《宇宙之聲》本來就是一個議題先行的劇本。

Q2：您有提及過去聆聽廣播電臺時，注意到聽眾 call in 與主持人聊天的短暫親密感。可否跟我們說說為何這樣的生命經驗特別觸動您？

關於 call in這件事，我覺得觸動就是觸動，沒有什麼原因。我家裡是開工廠的，員工習慣聽電臺播老歌，你會聽到裡面有人跟主持人買保健食品，不曉得那個保健食品有沒有用，但對方認得你。對我來說，光是一個陌生人的問候，可能就可以讓你知道「你不是很孤單」的這件事情。有些人可能獨自坐在家裡面，兒子女兒都不太理自己。可是當打電話到一個地方去，雖然彼此互不認識，但對方可以無條件地跟你聊你想聊的事情，分享你想要聽的新聞，他跟你有相同的觀點，他賣你需要的藥，並告訴你：「你需要注重健康喔。」所以對我來說它還蠻親密的，這是觸動我的地方。

Q3：《藍衫之下》在演出／展出的空間佈局上非常特別，結合了攝影展呈與表演空間。請問這樣的形式當初是怎麼討論出來的？編劇之間如何整合意見？

《藍衫之下》原本是視覺藝術創作，藝術家歐陽文慧追溯客家血緣，在線上發起了一個尋找客家妹的活動：去對方家裡，用秘密交換秘密的方式，來交換對於客家的認同，以及一些從小到大的成長、生活，以及和家人會遇到的一些事情。對一個表演藝術者來說，我覺得它故事性很強，想著：「如果把這個東西做成戲劇版會長怎樣？」於是開啟了《藍衫之下》這個計畫。

製作過程中，其實在編劇們的意見整合上十分困難。我們不斷的開會、討論，希望這齣戲有女性的觀點，也要有男性的觀點。到頭來我不希望大家是憐憫這群客家女人，她們不需要憐憫，之所以要把這齣戲演出來，是希望當有人看到這個故事的時候，可以知道：「發生在你身上的事情確實它是會發生的。」

我們可能不一定理解，這片土地上其他人生活的模樣為什麼與我們不同。可能是因為文化、家庭因素，或者各式各樣不同的原因。我們也不知道這是跟客家人或是女性的身分，還是跟生長在桃園有關，我們找不到答案，就因為找不到答案才需要來討論。《藍衫之下》就是我希望可以達到這種討論效果的作品。

這齣戲基本上必須同時要有展覽和演出，才會是一個完整的整體。臺上沒有特定角色，四個演員就是一個個活生生的人。這些人是攝影作品中女性們的故事，我們把它整合起來，用我的方法跟大家說。在看完戲之後，我們可不可以靜下心去看看這些群像；或者是說，看完這些群像之後，再來看一齣這樣子的戲，這可能才是這件作品最完整的狀態。從一開始，《藍衫之下》就是視覺和戲劇共存的展演，本來鎖定在美術館或是條件許可的藝廊裡展，不過最終第一場是放在五號倉庫藝文基地演出。

Q4：未來有沒有可能再像這樣，跟視覺創作者合作？

談到和視覺創作者合作，我就一個創作者而言，可以多方合作當然都是願意的。只是這個合作的機制要怎麼運行？我會不會妨礙到別人創作？在這個創作裡面是先有戲還是先有視覺？還是我們同時一起創作？這個細節有太多可以討論的。其實廣義來說，劇場也是一直在跟視覺藝術家合作，舉凡影像設計、舞臺設計、燈光設計和服裝設計，都是某種程度的視覺藝術。

Q5：假使有機會與美術館合作，是否有想要挑戰的展演形式或是特定議題？

要進去美術館做演出，我第一個會想到的事情是：「為什麼不去劇場做？」也就代表這個演出要在美術館裡發生，它就是必須只能在這裡發生。首先我要夠關心美術館，還要再夠關心美術館與我之間的關連。如果真的要做，就是去挑戰那個空間吧！以場地和場域為主要的創作思考方向，這個空間可以給予我們什麼樣子的想像？在這樣的空間裡面，有除了展覽以外其他還可以做的事情嗎？如果是進駐的話，我就要替美術館量身打造，自然會以桃園在地為主題去創作，這或許也能引起全臺灣人對於桃園美術館好奇，當然這也會是一個漫長的過程。

Q6：可否跟我們分享，目前劇團在經營社群連結及觀眾關係的基本方向？又或者有哪些族群的觀眾，是劇團特別想要開發的？

我沒有想主打任何特定社群，而觀眾的連結應該就是：來這邊看個輕鬆的戲，或者是可以跟你聊一些我關注的議題，或能夠提供一點娛樂也好，都很好。一開始創劇團的原因，也是因為我想發表我的個人創作。我的個人創作與我的生活有關，我就是要持續的說話，持續的創作，大概是往這個方向進行吧。

前面提到如果真的去美術館展演，可能也會是出於美術館給我什麼特別有感的想法。我做劇團至今，初衷仍是：「我有話想說」。持續的尋找想要聽我說話的觀眾，讓那些想要聽我說話的觀眾知道，來這邊聽故事，是一個可以信任的管道：「我不會亂做戲，你們也不會看到爛東西」，能夠有這樣的互信與互動，就是我覺得目前最重要的事情。

【外部連結】

1 . 陳家聲工作室臉書粉絲專頁：https://www.facebook.com/garsonplay/

2 . 陳家聲工作室ACCUPASS活動通： https://www.accupass.com/organizer/detail/1703210903385221817030